Десять лет назад в Нижегородском драмтеатре поставили «Гамлета, принца датского», а три года назад он попрощался со зрителями. С тех пор Шекспира в репертуаре драмы не было. Но совсем скоро этот пробел будет восполнен. Правда, на сей раз зрителей ждет Шекспир не трагический, а комический.
«Двенадцатую ночь» многие помнят по старому советскому фильму с Кларой Лучко и Аллой Ларионовой. Московского режиссера Карена Нерсисяна нижегородцы знают по спектаклям «Последний поединок Ивана Бунина», «Мурли» и «Одноклассники». Он и ставит сейчас знаменитую комедию английского классика, отмечая, что она не имеет ничего общего с костюмными пьесами о героях плаща и шпаги.
«У Шекспира не бантики и финтифлюшки, а сама жизнь. Она может быть и грубой. Но она всегда прекрасна. Работать с таким материалом — счастье. У Шекспира каждое четверостишие — космос, и это безумно интересно», — считает режиссер.
Главные роли в «Двенадцатой ночи» исполнят Сергей Блохин, Мария Мельникова, Алексей Хореняк, Юрий Котов. Вообще же спектакль будет «густонаселенным», и даже эпизодические роли обещают стать запоминающимися — все-таки Шекспир!
Сценографией и костюмами занимаются московские художники Ольга Лагеда и Янина Кремер. Балетмейстер постановки — Асия Горбачева, автор музыкального оформления — Михаил Хейфец.
Ближайшие даты премьерных показов — 21 и 25 апреля, 7, 16 и 30 мая.
Ольга ГОРНОВА Фото Георгия АХАДОВА
Кстати
Сейчас на сцене крупнейших театров Нижнего Новгорода Вильям Шекспир не такой уж частый гость. В нижегородской «Комедiи» много лет собирает аншлаги «Сон в летнюю ночь». А в репертуаре детского театра «Вера» недавно появилась философская сказка The Winter’s Tale.
Спектакль «Оскар» по одноименной пьесе французского драматурга Клода Манье стал в нижегородской «Комедiи» премьерой и бенефисом заслуженного артиста России Валерия Кондратьева. Режиссер постановки — Андрей Крутов.
Танго с пузырями
Бенефициант сыграл мыльного магната Бертрана Барнье, к которому однажды утром явился служащий Мартен с просьбой выдать за него замуж дочь, а затем и с угрозой сделать достоянием общественности факт сокрытия от налогов кругленькой суммы. Путаница из дочерей, женихов, невест и чемоданов в мгновенье ока превратила спокойную и упорядоченно-шикарную жизнь главного героя в сумасшедший дом.
Интригующий сюжет, знакомый миру по фильму с Луи де Фюнесом, закручивался среди броских декораций под ритмичные звуки танго. В тон профессии Барнье кулисы заменила прозрачная пленка, напоминающая банную занавеску, а в начале и в финале спектакля сцену заполнил ворох мыльных пузырей. Некоторая заштампованность мизансцен и жестикуляции оправдывалась тем, что водевильная классика диктует свои правила. Хотя не обошлось и без новаций. Например, денежной единицей стал евро, а массажист главного героя, казалось, случайно попал на сцену с улицы: в спортивной одежде, с рюкзаком за плечом и в наушниках.
Бонжур, мадам!
Однако стремление соригинальничать порой играло с авторами постановки злую шутку. Неудачно прозвучал в одной из сцен диалог на смеси «французского с нижегородским»: персонажи говорили так медленно и коряво, что напоминали неуверенных в себе школьников на уроке иностранного языка.
Но, несмотря на изъяны и штампы, ко второму акту зрители начали заливаться от смеха и аплодировать. Валерий Кондратьев сыграл безукоризненно, а среди других действующих лиц особо выделялся Руслан Кутлыев — исполнитель роли Мартена, амбициозного служащего на предприятии магната. Его энергия захватывала, была настоящим детонатором действия. Актер ловко балансировал на противоречивости своего образа: он играл человека, вынужденного существовать по правилу «с волками жить — по-волчьи выть», но при всем своем авантюризме и хитроумии сохранившего способность любить глубоко и искренне.
Татьяна ТИТОВА. Фото предоставлено театром «Комедiя».
Лев Харламов: «Мы пропагандируем камерность. Это наша идеология»
Театру Zooпарк исполняется 10 лет. Сейчас открывается десятый, юбилейный сезон. Мы провели большую беседу с художественным руководителем театра Zooпарк, актёром Львом Харламовым. О том, как всё начиналось, как движется и чего бы хотелось в будущем, специально для «Новой» в Нижнем».
— Добрый день, Лев. Искренне поздравляем вас с большим юбилеем — десятым сезоном театра «Zooпарк». Скажите, как и когда вы поняли, что без такого свободного пространства для творчества жить больше нельзя?
— Мы с Олегом Шапковым со второго курса театрального училища думали над тем, чтобы поставить спектакль по пьесе Эдварда Олдби «Что случилось в зоопарке?» Тогда мы остановились, потому что поняли: чего-то не догоняем. И слава Богу, что остановились. А через одиннадцать лет, когда я уже оставил работу в государственных театрах (Олег ещё работал в Театре драмы) мы работали на радио, вели ночные эфиры. Понимали, что эмоциональный выплеск есть, но нет выплеска в профессию, которую мы получили. И тогда мы вспомнили о старой задумке «Что случилось в зоопарке?» Олег сразу сказал: «Или сейчас, или мы навсегда об этом забудем». И пробухав всю ночь, утром мы пожали друг другу руки, решив, что сделаем это. Размышляя о том, кто мог бы стать режиссером, мы поняли, что больше всего нам нравятся работы Ирины Зубжицкой, которая с удовольствием приехала к нам на встречу из Питера. И опять обойдя три бара…
— Вечер в стиле Ремарка?
— Да-да-да (смеётся). К утру и третьему бару Ирина сказала «Я всё поняла, вы хорошие парни, давайте делать спектакль». Не спросив есть ли у нас деньги, есть ли у нас художник… А дальше мы заняли денег на «Русском радио», где и работали, репетировали в парке, сняли Ирине квартиру, наняли художника. Сыграли спектакль при минимальным количестве зрителей, но очень скоро случился фестиваль «Школы современного театра». Олегу дали премию за лучшую актёрскую работу. И нужен был второй спектакль, чтобы говорить о нас, как о театре.
— Название появилось, как водится, случайно?
— Да, мы поехали с «Что случилось в зоопарке?» на фестиваль в Челябинск, взяли там гран-при. А когда нам сказали, что нужно вписать название в грамоту, мы не смогли сказать ничего, кроме того, что Zooпарк он и называется. Так и получилось. Для нас всё это было удивительно.
— Дальше было легче?
— Дальше была ещё одна забавная история. К нам подошёл после спектакля один человек, в то время видное лицо в администрации, и спросил, сколько стоит спектакль. Мы сказали. Тогда он задал вопрос, который нас очень повеселил: «А если мы дадим вам денег вдвое больше, вы сможете сделать спектакль, который будет вдвое лучше?» Мы, не переглядываясь, ответили: «да!» И, по-честному, сделали. В первом спектакле у нас было два человека на сцене, во втором — четыре. В первом один акт — во втором два, и так далее. Так мы сделали спектакль «Татарин Маленький». И стали похожи на театр, странный конечно, но с двумя очень разными спектаклями в репертуаре.
— Если посмотреть на сайт театра Zooпарк, то можно подумать, что такой помощи было много, глядя на количество партнёрских организаций. Так ли это на самом деле?
— Нет, к сожалению нет, нам особо не спешили помогать. Холдинг «Русское Радио», который дал нам беспроцентный займ как друзьями долго крутил нашу рекламу, но это именно долг, который нужно было отдавать. И мы с Олегом взяли себе за правило ничего со спектаклей себе не брать, только отдавать издержки и зарплаты. А всё остальное отправлять в уплату долга. Мы отдавали его семь лет и бесконечно платили за право выступать из своего кармана.
А партнёрские сайты на нашей главной странице это, в основном, другие театры, с которыми мы познакомились на фестивалях. Они помогали тем, что предоставляли нам площадки, приглашали к себе в города, организовывали фестивали, на которых мы играли. А есть театры, с которыми мы просто подружились и нам понравились их спектакли. Я стараюсь расширять театральную географию и для наших зрителей, и для себя.
— Бывает гражданин мира, а вы театр мира?
— (Смеётся) Не знаю, на счёт мира, но России точно. Мы не чувствуем себя нижегородским театром. В других городах мы уже давно играем не меньше чем в Нижнем Новгороде. Тем более, что Олег сейчас живёт в Перми, Ирина, которая, в результате поставила не один, а три спектакля в театре Zooпарк сначала жила в Питере, затем в Иваново, а сейчас в Вологде. География ничего не меняет. Я от географии отказываюсь. Есть много людей и театров, с которыми общая идеология и общее мышление объединяют нас больше, чем любая дислокация.
Например, в Челябинске у нас есть постоянные зрители, которые ходят на все наши спектакли. И в этом театральном сезоне мы отыграли там уже дважды. Есть люди в Екатеринбурге, где мы никогда не были, но которые ездят в Москву, Нижний, тот же Челябинск, чтобы посмотреть выступления театра Zooпарк.
— Как расширяется эта география, от которой вы отказываетесь?
— Чаще всего мы принимаем участие в фестивалях малых форм. Есть целая система таких фестивалей. Это экспериментальная зона. Сначала театр — это подопытные крысы, потом кролики, потом, может быть, люди…
— Целый зоопарк подопытных зверей.
— Именно! И мы считаем, что нужно находиться со зрителем на максимально близком расстоянии. Поэтому чаще всего мы попадаем именно на такие фестивали. Смотришь на других — смотрят на тебя. И если участники устраивают фестиваль у себя в городе, то тебя с определенным спектаклем зовут туда приехать. У нас есть спектакли, которые не ездят по фестивалям, например «Татарин маленький», «До завтра». Последний вот только сейчас пригласили в Вологду на фестиваль, хотя спектаклю уже четыре года. Вообще, именно критики решают, что фестивальное, а что — нет, это их понятия.
— А гастроли?
— Гастроли — штука сложная. Неокупаемая. При камерности. Для окупаемости нужно от шестисот человек в зале, мы этого не хотим. Всё ломается. Но мы хотим расширять своего зрителя, мы хотим находить в зрителе идеологическую поддержку. В Нижнем у нас есть постоянный зритель, он нам понятен, он самостоятельно расширяется, что нас очень радует. Но нам хочется взаимодействовать со зрителем и в других городах.
Везде он разный. В Москве, например, зритель не волнуется и не начинает уходить до окончания спектакля «Человек-подушка», когда администраторы предупреждают, что он будет идти три часа. Зрители только спрашивают «Но метро-то ещё будет ходить?» В других городах не так. И совсем по-другому зритель реагирует в провинции, в нижегородской, к примеру, области. Нам доводилось играть спектакли на местах и площадках абсолютно для этого не приспособленных. Это был прекрасный опыт.
— Сейчас вы уже не только актёр и не только организатор, но и автор текстов, режиссёр. Кто в вас больше реагирует на зрителя, переживает за ошибки?
— Внутри театра Zooпарк называть меня режиссером, наверное, неправильно. Есть только один спектакль из семи, который мы с Олегом вместе написали и поставили, это спектакль «Клаксон и Ластик». Но в постановке всех остальных спектаклей мы принимали непосредственное участие. Знали как прикручена каждая гайка, как сделаны все декорации, почему такой свет, а у этого стула такой цвет и так далее. И в этом, возможно, секрет нашего успеха. Это помогает играть. Мы всегда всё придумываем вместе с художником. Но это не делает меня режиссером.
Я делаю очень робкие шаги в режиссуре, поэтому с некоторым раздражением отношусь к активно навешиваемому на меня ярлыку. Иногда даже забывают добавить, что я ещё и актёр. Как режиссер я сейчас ставлю спектакль в Нижегородском театральном училище с большим трепетом. И замечательно то, что актёры, которые в нём задействованы, тоже ещё учатся и мы многое черпаем из работы друг с другом. Вот после премьеры этого спектакля в октябре я и пойму, стоит ли мне делать какие-то шаги в этом направлении. Но я очень рад, что мне дали поэкспериментировать, хотя эксперимент это сложный.
К моему огромному сожалению, я являюсь основным организационным звеном в театре Zooпарк. Это мешает. Потому что моя обязанность — выключаться на сцене, а я этого сделать не могу. Если бы я мог, я бы снял с себя эти организаторские функции и этот момент контроля, с удовольствием упав бы кому-нибудь доверчиво на руки. Но этого, к сожалению, пока не происходит.
И на зрителя я реагирую в первую очередь как организатор и художественный руководитель театра. Мне интересно, что зрителю нужно. Я также с огромным удовольствием читаю критику, хотя многие уважаемые мной коллеги её презирают. А я много из неё беру. И стараюсь читать не только критиков профессиональных, но и блогеров.
Мы считаем, что нужно находиться со зрителем на максимально близком расстоянии. Поэтому чаще всего мы попадаем именно на такие фестивали. Смотришь на других — смотрят на тебя. И если участники устраивают фестиваль у себя в городе, то тебя с определенным спектаклем зовут туда приехать
— Если это бремя так мешает играть, то может произойти такое, что Лев Харламов уйдёт из лона камерности? И куда, на какую площадку, он мог бы уйти?
— Для меня здесь на первом месте творчество. И я считаю, что и при такой идеологии можно жить хорошо, можно зарабатывать. У нас не бывает лишних мест. Любому театру приятно, когда люди стоят на улице перед началом спектакля и пытаются купить хоть один билет. Это счастье. И мы могли бы играть чаще, но этого не получается, потому что нам редко дают площадку. В ТЮЗе нам удаётся договариваться на два спектакля в месяц. И хотя мы играем периодически в Доме актёра, нам это финансово не выгодно и, кроме того, наши последние спектакли поставлены под площадку именно ТЮЗа.
Городу точно нужна площадка, которая была бы свободной. Уже пару лет я перестал ратовать за площадку для театра Zooпарк и стал пытаться добиться того, чтобы в городе появилось место для привоза интересных театров, работающих в системе эксперимента. Я вижу много интересных работ и хочу, чтобы их увидели нижегородцы! И я уверен, что в моих силах привезти их в Нижний, но не понятно, куда привозить. Более того, на подобной площадке возникали бы новые театральные проекты. От тех творческих деятелей, которым так или иначе не хватает творчества. Людей, готовых занимать деньги и репетировать в парке, не так много. Трудно через это перешагнуть, правда трудно!
Я точно вижу, что такое место городу необходимо! «Арсенал» не может им служить, потому что не приспособлен для театральных постановок абсолютно. Это требует огромных вложений. И поднятия стоимости билетов на уровень тысячи (а то и больше!) рублей. Это нечестная цена для нашего города. Это рушит нашу идеологию. Я прекрасно понимаю, что студент, который ведёт девушку в театр, не может себе позволить отсчитать такие деньги. А я хочу общаться с этим поколением. Мне есть, что им сказать, и мне нравится, что говорят они.
— Как может возникнуть такая площадка, по вашему мнению? Ведь есть люди, которые хотят ходить на экспериментальные спектакли, и есть люди, которые, как и вы когда-то, находятся в состоянии «или сейчас, или никогда».
— Я знаю только, что должна быть добрая воля властей города и области. Я знаю, что эти люди должны прекратить произносить фразу «у нас нет денег». Потому что когда я слышу эту фразу от людей, управляющих культурой в городе и области, у меня возникает одно желание — этого человека ударить. Потому что я знаю, что деньги есть. И те деньги, которые нужны на содержание свободной театральной площадки, существуют. Более того, задача людей, которые сейчас во власти, их правильно распределить, но этого не происходит. Доброй воли нет, и я не знаю, что должно изменится.
— И последний, с одной стороны дежурный, с другой очень интересный вопрос: чего ждать?
— 21 апреля мы играем спектакль «До завтра» в ТЮЗе. Это будет единственный спектакль в апреле. В мае будут ещё спектакли, но мы не можем ничего планировать, так что наши зрители всегда стоят на низком старте, ожидая отмашки в Фэйсбуке или на сайте. И очень хочется, чтобы у театра Zooпарк появилось своё место и свой дом, где можно будет повесит вешалку и пригласить друзей. Вот, например, в мае к нам приезжает спектакль «Допрос» по тексту Захара Прилепина. И я счастлив, что могу помочь в организации и мог бы делать это чаще и больше, будь у нас своё место.
под текст
Театр «Zooпарк» случился в октябре 2003 года по инициативе Льва Харламова и Олега Шапкова.
К настоящему времени в театре накопился репертуар в восемь спектаклей, в числе которых и работы за авторством организаторов театра, и постановки других драматургов.
Театр выступает на площадке ТЮЗа, учавствует в различных театральных фестивалях России, на которых неоднократно занимал первые места.
Отправлено: 23.04.13 21:56. Заголовок: Материал предоставле..
Материал предоставлен Михаилом Висилицким, место публикации не уточнено
12 ночь, или Шекспир снова на работе
В театре драмы давали комедию Шекспира. Новый спектакль театра драмы им. Горького «12 ночь» разделен на две части. Первая часть - веселая музыкальная комедия с песнями и зажигательными танцами. Это весенний спектакль классического стиля, но в него удачно внедрены и модернистские элементы. Вторая часть с Орсино, которая происходит в офисе у герцога, - это режиссура с романтическим флером, которая тормозит первую часть Режиссер «12 ночи» Карен Нерсисян пытался соединить эти две стихии. Получилось ли? «Будем посмотреть», - как говорят в Одессе. Конечно, первая часть интересна режиссерски и актерски сочнее. Вторая часть, которую ведет арт. Сергей Блохин в роли Орсино, менее яркая. В старом ТЮЗовском спектакле «12 ночь» Наравцевича Орсино тоже был овеян романтикой , но с большой долей сарказма. Он пел, скорее изнывал, свое ариозо, сидя верхом на собаке, и безмерно страдал, и это было забавно. Вообще эта пьеса – фарс, и не надо ее превращать в «нет повести печальнее на свете». Режиссер К. Нерсисян понимал, что шекспировский текст для современного человека – зрителя, который бегает с мобильниками, тяжко воспринимается, он быстро устает и хочет смыться к социальному автобусу, поехать похлебать щей после работы, но все же режиссер не насытил современными текстовыми приколами свой спектакль, чем не обидел почтенного автора, как это делают многие молодые режиссеры, в том числе и мэтр режиссуры Марк Захаров. Надо отметить, что артисты не переигрывают, они высоко держат планку вкуса, недаром им, по неточным слухам, прибавили зарплату. Вся команда Анатолия Фирстова, который играет сэра Тоби, главного заводилу, разнообразна по психологии. У каждого свой характер, и это хорошо чувствуется. Евгений Зерин, Сер Эндрю - ипохондрик, бездельник и трус, одетый с костюм начала ХХ века, ярко ведет свою роль. Фабиана, друга и сподвижника сэра Тоби, одетого в мусульманский халат и феску, искрометно сыграл Николай Игнатьев. Юрий Котов создал сложный, философский образ шута Фесте. Вся эта компания в стиле Вуди Алена весело насыщает действие неугомонным саркастическим весельем. Алексей Хореняк в роли Мальволио восхищает необычной драматургической пластикой. Зритель награждал его заслуженными аплодисментами. Интересна в своей холодности Оливия, Анна Сучкова. Желая изобразить современность, сценограф Ольга Лагеда добавила к дорическим колоннам древнего разрушенного мира современный столб с рваными проводами. Костюмы собраны как бы со всех эпох. Этим создатели спектакля хотели подчеркнуть, что любовь и ненависть в человеческой жизни - вечные категории. Для кого же спектакль «12 ночь»? Для работников прилавка, на которых работает театр комедии, или для горстки интеллектуалов? Вопрос повис. На премьеру, которая состоялась 21 апреля, пришло много народа. Одна пара супругов притащили с собой толстый том Шекспира, сидели и сверяли, чего не добрали артисты. Так в Вене приходят с партитурой на симфонический концерт. В том ли месте вступили альты. Скорей всего это труженики умственного труда. Зал дышал вместе с артистами, было много аплодисментов. После классического репертуара Горького, Чехова, Тургенева театр решил сделать передышку. Шекспир- это большой фантазист типа Жюль Верна. Он придумал небывалую страну Иллирию в «Много шума из ничего», населил ее людьми, веселыми и беспечными, клоунами, шутами, тотальными нигилистами до припадка влюбленными. В некой книге о Шекспире было сказано, что влияние его на людей было огромным, и, как пример, после спектакля «Отелло» было задушено четыре тысячи верных жен, в том числе и Нина, жена Арбенина. Мы увидели добротно сделанную комедию Шекспира. Хочется с удовлетворением отметить, что нашелся все же режиссер, который созвучен современному театру, не отрываясь от традиции.
Что мы знаем о средневековой Испании? Гитары, дуэли, плащи, серенады, кинжалы, монахи… Что еще? Ах, да, конечно, любовь! Впрочем, это вечное чувство не зависит от страны и не подвластно времени. Любовь существует ровно столько, сколько существует этот мир. А «Лекарство от любви» это современная пьеса, облеченная в форму «плаща и шпаги», которая с успехом идет на сцене театра «Комедiя».
«Две равноуважаемых семьи», как по Шекспиру, ненавидят друг друга уже лет эдак четыреста, а дети главарей полюбили друг друга без памяти и, как всегда это бывает, на всю жизнь. С той лишь разницей, что это не трагедия на все времена с гибелью героев, а пародия на все испанские комедии сразу, с лихо закрученными интригами и забавными путаницами, искрометными шутками, переодеваниями и похищениями.
Отец и мать,враждующие Барон и Графиня, решили на время «заключить пакт о ненападении», чтобы не позволить своим чадам пожениться. Исходя из того, что «все средства хороши», они пробуют разнообразные варианты – разлуку, наговоры, интриги, ссоры. Приезжает даже издалека еще один жених, Дон Родриго, бедный, но пылкий рыцарь пера, «будущий великий поэт всей Испании», как он, не стесняясь, себя рекомендует. Жениться он хочет «из любви к дукатам», но, увидев прекрасную Амаранту, влюбляется по-настоящему.
Но отвлечь внимание прелестницы от «порочной блажи» любви к Дону Фелису, сыну Графини, ему не помогают ни изысканные манеры, ни пыл, ни пламенные речи. Амаранта продолжает страстно любить Дона Фелиса несмотря на то, что он неотесан, невоспитан, и даже, как выяснилось, не знает грамоты, а все пышущие огнем безудержной страсти письма сочиняет его секретарь. Любовь ослепляет, что и говорить, даже хорошо воспитанных начитанных барышень высокого происхождения. Впрочем, это у драматурга – Амаранта – «юности нежный бутон», что и приводит к конфликту этих двух абсолютно разных людей. А вот трактовка образа в спектакле – не то чтобы вызывает недоумение, а как-то уж слишком противоречива. Амаранта в течение всего первого акта, как бы это сказать помягче, до такой степени «вольная а-ля эмансипе», чуть ли не из серии «ща как двину», что непонятно, в чем конфликт между молодыми любовниками, они же одного поля ягодки?
Так или иначе, после многократных безуспешных попыток отвратить влюбленных друг от друга, Барон принимает «соломоново решение». Свадьба откладывается ровно на год, и в течение этого года молодые должны жить вместе, не разлучаясь ни на секунду. А за соблюдением этого условия будет следить строгий капитан. Влюбленные на седьмом небе от счастья, этого и добивались, да и все счастливы на сцене: между Бароном с Графиней уже начинают вспыхивать искры зарождающейся любви, да и Педро и Эллиса, слуги – уже не прочь заключить друг друга в объятья, да поскорей. Дон Родриго удаляется, а массовка поет и танцует. Не очень зажигательно и отчасти нестройно, но зрителей радует. Вообще музыкальное оформление весьма трудно назвать безупречным и стилистически выверенным. Скорее, это эклектика от «унца-унца», до почти «а ну-ка убери свой чемоданчик» плюс еще цыганские мотивы, наверное, для дополнительного драйва. На этом драйве заканчивается первый акт, который то ли затянут, то ли действительно очень длинный, то ли «спотыкается» по ритму.
Но завязка все-таки случилась. Антракт…
Подходит к концу год. Что и говорить, что за эти 365 дней и ночей когда-то пылкие влюбленные так надоели друг другу, что только и ищут возможности побыть в одиночестве, расплачиваясь за это со строгим капитаном драгоценными перстнями. Вот оно, самое настоящее разочарование: Дона Фелиса раздражает, что Амаранта не может отличить рапиру от шпаги, и тщетно пытается ей объяснить, что «двуручный меч не с двумя ручками, а для двух рук». А, потерпев фиаско, идет в кабак, так сказать, для поднятия настроения. Амаранта же, неожиданным образом преобразившись во втором акте в нежную образованную барышню, которая все время читает и разбирает архивные записи, горько тоскует. По несбывшейся мечте – вместе с любимым читать стихи. И все чаще вспоминает Родриго. И оба, конечно, считают минуты до окончания «любовного приговора». Второй акт уже идет динамично, и играется легко. Барон и Графиня полюбили друг друга, Педро и Эллиса – тоже, Амаранта воссоединилась с милым Родриго, а Дон Фелис – ушел в монастырь и стал архиепископом. Вот так, три свадьбы, никто не обижен, снова есть повод и выпить, закусить, и попеть-потанцевать. Под аплодисменты зрительного зала.
Рассказывает Надежда Ковалева, режиссер спектакля:
В спектакле большое внимание уделено музыкальному оформлению. Была проведена огромная работа по подбору музыки и текстов. А самой главной особенностью стало то, что все музыкальные композиции исполняются актерами вживую. Идею создать музыкальную комедию с «живым» звуком – без фонограмм подхватила группа актеров, которые в свободное время занимались игрой на музыкальных инструментах. Было очень приятно, что каждый участник спектакля смело шел на эксперимент. Также очень радовала техническая составляющая – декорации, костюмы, реквизит, музыкальные инструменты все это было предоставлено своевременно, что и позволило актерам комфортно «жить» на сцене, а мне как режиссеру видеть картину будущего спектакля заранее и внести нужные коррективы.
- Насколько сильно изменился спектакль со сменой актеров?
- Я не могу сказать, что спектакль изменился, он достаточно четко выстроен и прошел уже некую проверку временем в течение предыдущего сезона. Конечно, каждый новый актер приносит что-то свое в образ персонажа, но в данном случае это не только не нарушает структуру спектакля, а, на мой взгляд, делает его еще более живым и интересным как для зрителя, так и для самих актеров.
"Красота это такой же товар, как и все остальные. Только подороже." В этом убедила нас реклама, да и сама современная жизнь. И хотя мысль кажется современной, это далеко не так. Александр Николаевич Островский сказал об этом языком комедии еще более века назад. А Учебный театр театрального училища решил воплотить эту комедию в куклах.
В том, что комедия "Красавец-мужчина" чрезвычайно современна и актуальна, сомневаться не приходится. Один только сюжет даст фору всем популярным сериалам сразу: светский лев Окоемов, промотав приданое жены Зои, намерен путем обмана получить развод и жениться на "мильонщице". Бессовестный повеса собирается запятнать честное имя супруги, которая в нем души не чает и из любви к нему согласна прослыть в глазах света дурной женщиной. Но, в конце концов, справедливость восторжествует, и коварные планы злодея будут расстроены.
Можно с уверенностью сказать, что сам выбор пьесы очень удачный. Впрочем, это не единственная удача спектакля. Художник Елена Тихомирова не просто органично влилась в условия кукольного спектакля, где сцена это ширма, она это пространство так организовала, что дух и времени, и провинциальности с ее бантиками - салфеточкамиэтажерочками, чувствуется буквально во всем. Да и сами герои сделаны мастерски. Сочные, гротесковые, яркие куклы во многом диктуют и способ актерского существования в предлагаемых обстоятельствах, и саму актерскую игру. Безупречной ее, конечно, назвать трудно это студенческий спектакль. Но очевидно, что эта работа одаренных людей. Почти все персонажи пьесы взрослые или очень взрослые, пожившие люди со своими судьбами и характерами. И передать это, да еще и в кукле удалось практически всем: и Никите Чеснокову (Никандр Семеныч Луачев), и Марии Ляскиной (Аполлинария Антоновна), и Артему Никифорову (Наум Федотыч Лотохин). А вот работу Юлии Модиной хочется отметить особо. Настолько органично существует актриса каждую секунду в роли романтической натуры, поющей романсы и свято верящей в любовь супруга, что невольно забываешь, что пьесу разыгрывают куклы. И кстати, о кукле. Актриса нашла действительно удачные и выразительные жесты для своей героини. А ракурсы и повороты головы создают впечатление, что кукла и улыбается от счастья, и плачет от безысходности.
Конечно, за этим видна кропотливая работа режиссера - педагога, Рузанны Бунатян, которая поставила этот спектакль. И то, что могло бы так и остаться студенческим экспериментом, стало действительно творческой удачей хотя бы потому, что спектакль получился современным, живым и художественно выверенным, несмотря на мелкие погрешности, нестройный темпоритм и мелкие технические помарки, которые смазывают впечатление. Впрочем, зрители довольно доброжелательно настроены и, в отличие от педагогов, прощают студентам недочеты. А вот за творческие удачи, такие как исполнение романсов в теле спектакля, награждают аплодисментами.
Юлия Модина (Зоя Окоемова):
Моя героиня жертва. Ее путь слепая любовь. Самое сложное в работе то, что при любых обстоятельствах нужно не терять трепетность, чистоту и святость.
Константин Воронин (Аполлон Окоемов):
Было трудно понять уклад, манеры и отношения людей того времени. Для меня трудное в роли это от спектакля к спектаклю находить чтото новое в персонаже. Театр это не конвейер, театр это здесь и сейчас.
Артем Никифоров (Наум Федотович Лотохин):
Для меня самым сложным в подготовке роли был тот факт, что роль возрастная. Понять и найти характерность героя, его жесты, походку, ведь пожилой человек двигается совсем иначе, чем молодой. Это первый спектакль, который мы сделали с тростевой куклой, мы только учились владеть ей и многого не умели, это тоже создавало трудности.
Никита Чесноков (Никандр Семеныч Лупачев)
У куклы, как правило, нет мимики, и поэтому нам приходится использовать жесты. Жесты и есть одна из наших главных задач. Одна из сложностей.
Рузанна Вандиковна Бунатян, режиссер-педагог
Самым сложным в работе над спектаклем было сохранить дух времени А.Н. Островского в слове, в поведении актеров и, как следствие, кукол. А также сделать спектакль современным для сегодняшнего зрителя.
Я остановила свой выбор на этом произведении, потому что считаю, что студенты должны встречаться с классикой, с высокой драматургией уже в процессе обучения.
И пьеса "Красавецмужчина" как никакая другая подходит именно для театра кукол.
Дон Сальвадор, на сцену! Дон Сальвадор всегда на сцене! (из дневника Сальвадора Дали)
Трудно назвать другого человека, о котором слагалось бы такое количество мифов, как о Сальвадоре Дали. Существование на публике, пожалуй, было ещё одной гранью его творчества, и потому он постоянно провоцировал скандальный интерес к своей особе. Но сегодня ясно, что этот универсальный человек — живописец, график, скульптор, писатель, поэт, сценарист — действительно занимает уникальное место в культуре XX века. Да, нашему веку мифов хватает с лихвой. В этом можно убедиться, посетив спектакль театра «Рок-драма», который так и называется: «Сальвадор Дали».
С одной стороны кажется, что название слишком уж простенькое для этого театра, славящегося своими «витиеватыми» заголовками. А с другой стороны, ну что еще можно добавить, если разыгрывается жизнь самого гениального «отца сюрреализма».
Дали всю жизнь декларировал миру, что он – гений. «В 1929 я осознал, что гениален, и до сих пор не имел случая в этом усомниться. Напротив, убежденность моя крепла». Вот так без ложной скромности, писал о себе Дали в прошлом веке. А в этом – стал героем спектакля, гениальным который не назовешь. Черное пространство сцены скрашивается несколькими стилизованными «аля»-картинами, стулом и излюбленной мебелью режиссера – кушеткой. Вот в таком пространстве нас заставляют поверить в реальность мифов одного из самых богатых художников Европы и его жены, для которой роскошь стала естественной средой обитания. «Дальше – больше». Потому что на сцену выходят чтецы и декламируют, как было заявлено, стихи, принадлежащие перу великого Сальвадора. И с этой секунды становится ясно, что мифов тоже не будет. Потому что миф, чтобы в него поверили, должен содержать хотя бы намек на правду. А здесь из правды – только исторические личности. Гала, Гитлер, Лорка, Хачатурян… И все только и мечтают, чтобы поковырять в носу и с внимательным восторгом рассмотреть содержимое, ну, и, сходить, пардон, в уборную, о чем объявляют всем.
Громко и неоднократно. Понять, о чем спектакль – сложно. Особенно сложно тем, кто читал произведения, на основе которых сделана постановка, как сказал режиссер. Потому что если и есть совпадения, то только в именах персонажей. Так что спектакль можно назвать, скорее мотивами. Весьма и весьма отдаленными. И от реальности, и от мифов, и от Дали. Скорее, это какой-то вид современного искусства, который, безусловно, имеет право на существование, как и каждый режиссер имеет право на свою трактовку мира. Тем более что зрители – не против, и даже иногда аплодируют.
А вот что говорят участники проекта:
Эмиль Каракулян (Хачатурян):
- Дали – это пример поиска, эксперимента, концептуальной живописи, игры ума, если не чистой иллюстрации того, что можно было бы назвать рационализацией бессознательного, кармой невольника собственной маски, торжество безличного над человеком… Сложно назвать его гением (в пушкинском понимании этого слова, не в связи со злодейством, а в связи с предопределением пути). О героизме тоже, насколько мне известно, не может быть речь.
Иное дело «танец с саблями, в нем чувствуется сила армянского духа, буйная удаль русского народа, лиризм и юмор». Впрочем, говорить о Хачатуряне сложней. У всех великих композиторов есть некие вещи типа визитной карточки, заигранные до невоспринимаемости кича. А вот начать занятия музыкальной грамотой в 19 лет и дойти до всех высот музыкальной и общественной карьеры – в этом есть что-то от самопреодоления, то бишь, как бы пафосно это ни звучало, от героизма. Короче говоря, его можно было бы поместить где-то между героем и гением.
Юрий Григорьев (Чтец):
- Сальвадор Дали - это мой любимый миф. Во всех книжках о «буржуазном искусстве» были иллюстрации картин Дали. Странными они не были, наоборот, казалось, это какая-то комната с набором случайных предметов, пёстрый мир современного бытия, что-то от свалки истории.
В 1990 году, в апреле месяце, через год с небольшим после ухода Дали я решил отметить это событие по-своему. Некая молодёжная организация сняла театральный зал ДК ГАЗ. Тему мне предложили на выбор, и вот тогда моя мечта осуществилась! «Бал Сальвадора Дали, с элементами ужаса, эротики и абсурда»!
В шоу участвовало более пятидесяти актёров и музыкантов. Для себя я выбрал жанр – «хепенинг»!
Неожиданно на дискотеке возникала странная пауза – часы били двенадцать ударов, и часть аудитории в зале менялась местами, при этом они шли молча, смотря прямо перед собой. Затем загорался свет на специальном подиуме, на котором лежал по пояс голый человек (к стати, мой друг Валерий Богатов – Олимпийский чемпион по академической гребле), затем в зал врывались дерущиеся на шпагах Гамлет и Лаэрт. На балконе среди белоснежных бюстов неожиданно один из бюстов оживал, и музыкант в чёрном котелке, сидя за белым кабинетном роялем, начинал бить по клавишам, забывая при этом открывать крышку инструмента. Внизу появлялись Раскольников, Достоевский, Булгаковская Маргарита.
На балконе шли девушки с обнажённой грудью, а по залу двигалась похоронная процессия с духовым оркестром, при этом сам «покойник» благополучно шёл за своим гробом. Кстати, это была одна из сумасшедших мечт «Великого и Ужасного»).
А в этом шоу воплощены были многие мечты за долгие запретные годы.
Подготовила Елена Минская (журнал "Отдых НН" № 5(9), 2013 г.)
Фразу "Мужчины сначала жалуются, потом храпят, потом исчезают" когда-то все цитировали наперебой, пьеса "Счастье мое" была также популярна, как и ее автор, Александр Червинский. Тот самый, что написал сценарии к "Блондинке за углом" и "Короне Российской империи".
Из его истории о старшей пионервожатой, мечтающей стать "училкой" и родить девочку, в ТЮЗе получился спектакль о любви. Такой пронзительной и стремительной, что за одну ночь может перевернуть жизнь и переписать судьбу.
Сама пьеса, стоит заметить, предоставляет современному режиссеру колоссальные возможности благодаря своему многотемью. Это и недавнее прошлое страны, с тотальной разрухой и культом личности, и смена и конфликт поколений, и проблема нравственности и ответственности. И, конечно, тема любви. Творческая группа Тюза играет спектакль о том, что любовь может подчас возникнуть в самых "невозможных" условиях и в самое неподходящее время. А еще о счастье, которое, как известно, у каждого свое. А еще о том, что "...когда самое плохое позади, остается только хорошее". На маленькой сценической площадке зритель видит школу "в разрезе" доска, скелет, призывные плакаты и прочие приметы школы послевоенных лет. В этих вот стенах и живет главная героиня, Виктория, на раскладушке и "на глазах у всего коллектива". Здесь же главные герои отстаивают право на свое личное счастье. Они очень разные, у каждого за плечами, несмотря на молодость, отнюдь непростая предыстория. Семен - старательно учится на "дипломатического моряка", чтобы хоть как-то "выйти в люди" и помочь своей бедной многодетной семье. Поэтому и мечтает о блестящей международной карьере. Виктория дочь врагов народа, и, совершенно очевидно, что ей даже мечтать о какой-либо карьере бессмысленно.
Но тотальное одиночество, холод, голод не мешают девушке иметь свою мечту. Она мечтает о дочке. И не просто мечтает, а идет к своей мечте уверенно и "по плану". Ее "случайное" знакомство с Семеном далеко не случайно и все ходы и обстоятельства просчитаны. Все, кроме одного. Не учтена любовь, которая ворвалась в четко спланированную жизнь и заставила сделать выбор.
Конечно, для того, чтобы получился такой спектакль, театру нужна героиня. И она в театре есть. Анна Сильчук ведет свою партию очень органично и психологически точно. Она то по-пацански азартна, а то тиха и беспомощна, а вдруг просто поражает зрителя своим "разбитным" поведением, а Семена своей легкой доступностью. Пока не становится ясно, причем очень скоро, что за этой псевдолегкостью: и чистота, и ранимость, и трагедия. И, хотя главный герой тоже неплох и почти всегда убедителен, совершенно очевидно, что в этом дуэте ведущая партия у актрисы.
Вообще, спектакль очень актерский, даже маленькие и "бессловесные" роли сыграны качественно и вызывают отклик в зале. Роль ученика, которую играет Михаил Морозов, смело можно отнести к актерским удачам. Всего несколько строчек текста и при этом масса пространства и смыслов, юмора и импровизации. Очень яркий и запоминающийся образ создан актером на таком скромном текстовом материале. Да вообще, можно сказать, и спектакль о счастье получился, и откровенный разговор о любви, верности и непростом выборе состоялся. В чем, очевидно, немаловажную роль сыграла режиссер-постановщик спектакля Елена Фирстова.
Исторические личности достаточно часто становятся героями всяческих постановок, не только театральных. И это вполне понятно: яркая жизнь, сильные эмоции, великие события неизменно привлекают зрительский интерес и почти всегда являются залогом успеха любого творческого проекта. Так что театр "Вера" ничего нового и не открыл, собственно. За исключением одного. Выбрав в герои Козьму Минина (чего не сделал еще ни один театр), творческая группа спектакля "Минин" решилась на разговор о сражениях и подвиге во имя Родины, о доблести и патриотизме.
"Исторический карнавал" так определила режиссер жанр этого спектакля, литературной основой которого является поэма нижегородского поэта Евгения Садулина, а за форму взято скоморошье действо. Идея вложить поэтический рассказ о смутном времени, о страхе, потерях, о великом ополчении в устах скоморохов, вежливо говоря, далеко не нова. Но идея эта очень удачная, потому что позволила использовать много театральных форм в одном сценическом пространстве, которое, кстати, оформлено мастерски.
Образ Лобного места, сценыплахи, создающий художественный центр и нужное впечатление, поддерживают двигающиеся конструкции из мешковины, трансформирующиеся то в ширму кукольного театра, то в условную "темницу". Блестяще художник Андрей Михайлов справился с такой непростой творческой задачей показать в небольшом пространстве и весьма небольшими средствами и широту русских просторов, и размах, и степень трагедии Смутного времени, и череды "быстросменяющихся" властителей, для которых "трон Московский слаще меда": Иван Грозный, Федор, Борис Годунов, Лжедмитрий, Василий... "Где царей хороших ждут самозванцы тут как тут". Представить всех этих персонажей в виде кукол тоже, надо сказать, удачная идея. Хорошо этот ход передают и "картонные страсти" всех этих "властителей", и горький сарказм по поводу поведения "татей", как называют их в народе. Да, идея удачная, но играет ли она на задачу спектакля - рассказать о народном подвиге? В чем доблесть, правда и подвиг героев, если силы зла и силыто реальной не представляют? Никакой. С кем героически бороться? И даже пластически силы зла выстроены несколько вяло и не совсем внятно. То ли это образ страха, совсем нестрашный. То ли собирательный образ врага, не очень-то грозного, а даже очень пластичного, то ли это сама смута на Руси? Вопрос так и остался открытым.
А вот хореографическое решение народной силы хореограф Елена Хиценко нашла удачно. И исполняется мужской частью труппы и эмоционально, и энергично, что еще раз подчеркивает удаль, которой и напрягаться-то особо не надо, чтобы "сковырнуть" игрушечного и несерьезного врага. Отсюда же, кстати, и эмоциональная нестройность спектакля.
Пламенные речи Минина произносятся актером "внадрыв" и с большой отдачей, а народ, так и не зайдясь в патриотическом восторге, вяло и почти безотносительно отвечает что-то вроде: "Да, мы согласны идти на ратный подвиг и голову сложить". Но музыка Владимира Зырянова подтягивает все-таки действие до правильной температуры происходящего на сцене, а зрителя до нужного градуса сопереживания, так необходимого подобным спектаклям, а этому спектаклю особенно.
Удачная мысль ввести в ткань спектакля кадры из фильма "Минин и Пожарский", по всей видимости, должна была стать еще одной хорошей идеей. Но не стала. По батальным сценам киноленты зритель понял, что происходит битва не на жизнь, а на смерть. А вот актеры отстояли на сцене положенное время и аккуратно сменили мизансцену. Впрочем, условность театрального представления вполне допускает такой способ актерского существования. Также, как и введение шоу песка в эпилог. Очень трогательные, проникновенные и искренние песочные картины Инги Будановой дают ощущение и скоротечности жизни, и недолговечности памяти, и о связи современности с далеким героическим прошлым. И современные зрители, хотя и не сразу, но все-таки откликаются на этот посыл театра и благодарят актеров аплодисментами. Не всегда, но искренне.
Вот что говорят о проекте в театре:
Анастасия Дудоладова, заведующая литературной частью: - Патриотизм, любовь к Отечеству эти понятия являются составляющей частью общего понятия о нравственном человеке, а значит, это те чувства, которые должен будить театр в зрителе. Звучит высокопарно, но по-другому не скажешь. Наш спектакль это не урок истории в школе и не нравоучение это сильный эмоциональный заряд, который попадает прямо в солнечное сплетение, вызывая гордость, радость, слезы, удивление, потрясение. И это замечательно.
Вера Горшкова, режиссер-постановщик: - Меня на протяжении всей моей жизни волновала тема памяти о наших корнях. Мне кажется, что если о них забыть, то не будет будущего. Наш город состоит не только из бетона и торговых центров, но и из того, что создавали многие поколения людей. Театр дает возможность погрузиться в прошлое своего города, своей страны и понять свое настоящее. Поэтому в нашем театре были и есть спектакли о Валерии Чкалове, о Михаиле Щепкине, о Николае Добролюбове. Работая над "Мининым", мы использовали скомороший ход трудный, очень театральный и интересный. И в зрительских сердцах открывается некая створка, галдящий детский зал затихает и молчит до конца спектакля.
Дмитрий Зайцев (Минин): - Что может объединить нас? На мой взгляд, вера: вера в человека и в его силу духа, вера в "российское братство" и в то, что можно всегда что-то изменить, вера в Бога, в его помощь и покровительство.
Елена Минская. Журнал «Отдых НН» № 7(11), 2013 г. Фото Георгия АХАДОВА
Уже слегка поднабивший оскомину тезис о непреходящей современности гоголевской комедии, в постановке «Ревизора» Владимира Червякова в театре«Вера», в очередной раз блестяще подтверждается в полный рост.
Причём достигается это без каких-либо лобовых способов, вроде модного некогда осовременивания костюмов и декораций. И сценическое решение спектакля (Андрей Михайлов) и костюмы (Екатерина Филаретова) лишь слегка стилизованы. Всё узнаваемо и так.
И чиновники всех мастей сосредоточенные лишь на том, как бы хапнуть побольше и задержаться у кормушки подольше. Одни, как Городничий (Вадим Пьянов, Владимир Ганин) не особенно таясь и с полной уверенностью в собственной правоте. Другие, как судья Ляпкин-Тяпкин (Владимир Ганин, Вадим Пьянов) с изуверской изобретательностью – «борзыми щенками». Третьи, как Земляника (Сергей Иордан) с ханжеским сладострастием, строча втайне доносы и мечтая подсидеть своего начальника. Четвёртые, как смотритель училищ Лука Лукич (Андрей Логинов), чуть не падая в обморок от страха. Но воруют! А потом истово, совсем как сегодняшние, крестятся на виднеющиеся вдали купола. И совершенно очевидно, что не грехи свои они замолить пытаются. Да и не чувствуют они за собой грехов. Нет, молят о том, чтобы пронесло в очередной раз, чтобы начальство не осерчало, да от кормушки кто не отжал.
Именно этот вечный страх и застит глаза уездной элите, едва появляется слух о приезде ревизора. У страха, как известно глаза велики и с его помощью можно даже юного хлыща в модной одежде с лёгкостью принять за важную фигуру.
Ну а почему бы нет? Не по заслугам же, в конце концов чины и звания раздаются? Вон сколько сегодня молодых «эффективных менеджеров» в сферах власти околачивается благодаря связям, деньгам, влиятельным родителям. И ничего, что кроме раздувания щёк ничему не обучены. Ничего, что порой таких дров наломают, только держись – одна недавняя история с назначением чиновника на пост нижегородского ТЮЗа только чего стоит. Главное, чтобы общих правил не нарушал и брал «по чину».
Узнаваема и супруга Городничего, Анна Андреевна - расчётливая ханжа (Наталья Червякова), или претендующая на утончённость (Анастасия Дудоладова), с её мечтами о «столбовом дворянстве». Сколько их таких жён мэров и губернаторов по провинциальным городам!
Главный герой в спектакле не Хлестаков (Владимир Джумок). И даже не Городничий. Главное действующее лицо «Ревизора» в «Вере» - это чиновники. И Городничий лишь один из них.
Хлестаков в спектакле - не прожжённый прохвост или мошенник, решивший провести вокруг пальца чиновничью братию. Обычный мало что из себя представляющий обаятельный молодой человек, коих опять же сегодня масса. Он истово мечтает о красивой жизни, проматывая присылаемые ему из деревни отцом деньги
Он даже не сразу понимает, что его принимают за кого-то другого. Почести оказываемые ему он поначалу принимает на свой счёт, самонадеянно полагая, что вполне достоин подобной участи.
Прощаясь с одураченными им семейством Городничего, он совершенно искренне бросается их благодарить и так по-детски трогательно бросает «Меня ещё нигде так хорошо не принимали», что его даже становится немного жаль.
Вообще, несмотря на многочисленные переклички с сегодняшним днём, спектакль Владимира Червякова назвать сатирой нельзя. За каждым героем угадывается не только характер, но и судьба. И это придаёт происходящему дополнительную глубину. В конце концов они такие же люди, как и мы. И окажись кто-нибудь из нас на их месте, ещё неизвестно, как дело бы вышло. И в этом контексте горестный упрёк Городничего: «Чему смеётесь, над собой смеётесь», приобретает дополнительный смысл.
Смех в зрительном зале во время спектакля действительно звучит много и часто. полностью оправдывая жанр, определённый пьесе самим автором. Хотя режиссёру с актёрами ни разу не изменяет вкус, и спектакль ни на минуту не скатывается в примитивное комикование, как бывает порой.
Но, не смотря на то, что сам спектакль может смело считаться театральной удачей, ощущение от него остаётся всё же довольно тягостное. Тезис о непреходящей современности гоголевской комедии в очередной раз подтвержден. А стало быть, если за прошедшие столетия ничего в нашей стране не изменилось, рассчитывать на то, что это случится в будущем, похоже явно не приходится.
Знакомый по школьной программе «Ревизор» Гоголя — новая работа Нижегородского государственного детского театра «Вера». Премьера состоялась 18 апреля.
В интерпретации хрестоматийной пьесы режиссер Владимир Червяков постарался в первую очередь подчеркнуть притчевость творческого почерка писателя. И текст, знакомый с давних пор, звучит настолько неожиданно, будто слышишь его впервые.
Главный герой постановки, в которой много прозрачных намеков и метафор, - чиновничья масса. Стадное чувство, управляющее ею, поглощает и Хлестакова, и городничего.
Художник Андрей Михайлов создал на сцене образ провинциального городка, состоящего из деревянных заборов, калиток, ставень. Но одна из башен кремля увенчана красной звездой, и это расширяет границы — географические, временные - разыгрываемой истории. Российские закономерности, ярко обнаженные писателем, его острая и меткая сатира не потеряли актуальность и в ХХI веке. «Ревизор» в театре «Вера» засверкал новыми гранями, получился о нас, живущих сегодня. Временами уморительно смешной, а иногда немножко грустный.
Кстати
«Ревизором» театр презентовал новый социально-культурный проект «Классный театр». В основе - стремление приобщить подростков к лучшим образцам русской классической литературы. После гоголевской комедии будут осуществлены постановки произведений Александра Пушкина и Михаила Салтыкова-Щедрина.
Нижний Новгород—Гомель: цветы, “браво”, аплодисменты
“...Ехали мы из Москвы в Гомель. Нас обслуживала замечательная проводница: улыбчивая, заботливая. Я написал ей благодарность в книгу (жалоб и предложений). Приезжаем домой, в почтовом ящике письмо от Гомельского отделения Белорусской железной дороги! С официальным ответом! “...За добросовестное исполнение своих должностных обязанностей проводнику объявлена благодарность и выдана денежная премия...”. Очень приятно!”
Вот такие самые первые и “завершающие” впечатления у заслуженного артиста России Сергея БЛОХИНА о гастролях в Гомеле. А сколько впечатлений театральных! И не только у самих артистов, но и у зрителей: гомельских и нижегородских...
Больше недели — с 3-го по 11-е апреля — артисты Нижегородского академического театра драмы им. Горького играли на сцене Гомельского драматического театра. В это же время нижегородская сцена была отдана артистам гомельской труппы.
Открывая гомельские гастроли, министр культуры Нижегородской области Михаил ГРОШЕВ заметил, что экономические связи между Россией и Белоруссией, безусловно, важны, но не менее значимы и связи культурные, нити духовные, которые объединяли и объединяют наши народы.
Почти в то же время, открывая гастроли нижегородские, директор театра драмы им. Горького Борис КАЙНОВ сказал: “Вчера ваш президент принимал большую делегацию Нижегородской области во главе с губернатором Валерием Шанцевым, на встрече обсуждались торгово-экономические вопросы сотрудничества... Гастроли же театров России и Беларуси несут с собой обмен идеями, мыслями и чувствами и взаимное обогащение двух славянских культур. Что не менее значимо”.
А теперь о самом главном! О театральных впечатлениях!
На самом деле подобные обменные гастроли — гастроли достаточно длительные для театральных зрителей. Не все мы можем часто выезжать в театры других городов. Тем более республик! Это, как свежий воздух, для наших новых ощущений, эмоций, чувств. Нового зрительского опыта. Сравнивать — дело не совсем благодарное. Но узнать новых артистов, режиссеров — всегда приятно и полезно.
Свои гастроли гомельский театр открыл спектаклем “Крестная мать” по пьесе Горького “Васса”... По признанию художественного руководителя театра, заслуженного артиста Республики Беларусь Виктора ЧЕПЕЛЕВА, играть этот спектакль было непросто и крайне волнительно на сцене театра, в репертуаре которого есть своя “Васса”. (“Васса” — одна из крепких и интереснейших постановок театра драмы им. Горького).
Гомельская “Крестная мать” иная. Со своим ритмом, концепцией. Но не менее интересна. И самое главное — побудившая у зрителей желание увидеть и другие спектакли театра. Практически на каждом спектакле у гомельских артистов был аншлаг и долгие аплодисменты...
И репертуар был достаточно разнообразный. При этом празднично-легкий, почти беззаботный — как раз то, что нужно в пору весеннего авитаминоза: искрометные остроумные постановки по пьесам известных зарубежных классиков “Безумный день, или Женитьба Фигаро” Бомарше и “Верная жена” Сомерсета Моэма, комедии современных авторов с “говорящими” названиями — “Школа соблазна” и “Между небом и землей”. Необычные сюжеты, яркая выразительная игра артистов, красивые костюмы — белорусы явно умеют развлечь со вкусом.
Гомельской публике нижегородский театр представил спектакли: “Дядя Ваня” А. Чехова, “Зойкина квартира” М. Булгакова, “Гранатовый браслет” А. Куприна, “Одноклассники” Ю. Полякова, “Клинический случай” Р. Куни, “Бестолочь” М. Камолетти.
“Дядей Ваней” и открылись... Нижегородские артисты тоже волновались, но напрасно. Спектакль был встречен тепло и даже восторженно: долгие, нескончаемые аплодисменты, крики “Браво!”. И так на протяжении всех гастролей. “Браво!”, цветы, автографы, фотографии на память, интервью. И аплодисменты! Для артистов это огромный заряд адреналина.
Даже было немного грустно расставаться нижегородским зрителям с гомельскими артистами, которых действительно полюбили. Артистов нижегородских провожали с надеждой увидеть еще... Кроме того, некоторые из гомельских театралов подходили к актерам и признавались в том, что они теперь обязательно будут приезжать в Нижний Новгород, чтобы посмотреть спектакли театра драмы им. Горького!
Вот так! Обменные гастроли состоялись! И самое главное: все надеются на новые встречи!
Скорее всего, к творчеству актера, который сегодня в гостях у «Автозаводца», с большим интересом и уважением относятся многие театралы нашего города. За двадцать два года работы на сцене Нижегородского государственного академического театра драмы имени М. Горького им созданы десятки трагических, драматических, комедийных образов. Число их пополнилось совсем недавно еще одной яркой ролью в очередной премьере театра. Причем один из премьерных спектаклей едва не совпал с 50-летием актера. А юбилей тоже стал поводом для интервью с дважды лауреатом премии Нижнего Новгорода, лауреатом премии «Нижегородская жемчужина», лауреатом премий фестивалей имени Евгения Евстигнеева, заслуженным артистом России Юрием КОТОВЫМ.
Сотни судеб и характеров
— Ну и горячими же выдались для вас, Юрий Михайлович, первые месяцы этого года! Тут и круглые даты у вас и вашей супруги Елены Турковой, ведущей актрисы театра, и работа над новыми ролями...
— Одна из них в спектакле, который ставит московский режиссер Карен Нерсесян по пьесе Шекспира «Двенадцатая ночь». Нижегородцы увидят его в апреле. Ну, а с «Мещанами» кое-кто, очевидно, уже успел познакомиться. В этом спектакле я — продавец птиц Перчихин.
— От него просто глаз не оторвать: так темпераментно сыграна роль. К тому же, можно сказать, вы предстали перед зрителями в несвойственном вам амплуа. Всего вероятнее, многие из тех, кто хорошо знает одноименную пьесу Горького, уже перед началом спектакля удивились, увидев вашу фамилию напротив этого персонажа. Перчихин в пьесе эдакий божий одуванчик, его всякий может обидеть. А в вашем репертуаре все больше сильные натуры, скажем, римский самодержец Калигула, датский принц Гамлет...
— А кто сказал, что это сильные натуры? Вот Калигула. Его можно и плачущим убийцей назвать. А Гамлет? Да в конце концов, это же не копия реально жившего человека, это образ, в котором слились сотни судеб и характеров. Слабый ли человек продавец птиц Перчихин? Это с какой стороны посмотреть. Вспомните знаменитое изречение: слабость - велика, сила - ничтожна. На сцене Перчихин появляется всего-то три раза. Навела ли эта эпизодическая роль зрителей на некоторые размышления? Побудила ли пофантазировать, задаться вопросом: а почему, собственно, этот пятидесятилетний человек, имеющий взрослую любящую дочь, одинок?
— Мне показалось, что в спектакле его образ более приземленный, чем в пьесе.
— Да разные мнения могут быть на этот счет. А зависят они даже от того, когда именно человек посмотрит спектакль: театр - живое дело, сегодня актер играет так, а завтра - по-другому. Главное, чтобы роль зацепила.
— Но уж в том, что весь спектакль, поставленный Вадимом Данцигером, «зацепил» зрителей, можно не сомневаться: смотрится на одном дыхании. Такой накал страстей, такая сильная энергетика идет в зал!
— А для театрального искусства это едва ли не самое главное. Как сказал известный режиссер Лев Додин: «Меня не интересуют люди с нормальной температурой, мне нужен повышенный градус».
— Повышенный не только у героев пьесы, но и у актеров?
— Безусловно. Именно этого добивается по сути дела каждый режиссер, и у каждого для этого свои методы. Вот, к примеру, Роман Виктюк, у которого мне посчастливилось играть в спектакле «Мастер и Маргарита», - он буквально за 10 дней поставил его на нижегородской сцене.
— Вы в роли Мастера?
— И римского прокуратора Понтия Пилата, во время правления которого был казнен Иисус Христос. Так вот, помню, на какой высокой ноте объяснял он мне, как должен звучать монолог Понтия Пилата на площади: «Юра, ты обязан кричать так, как орали на Мейерхольда те, кто забивал его, кричать и за Ахматову, и за ее сына Льва Гумилева, и за мужа Цветаевой - за всех безвинно погибших и пострадавших. Я требую играть так, чтобы у зрителей текли слезы». Он требовал и добивался этого, как и Петр Фоменко и другие великие мастера. Каждая фраза, сказанная в поставленных ими спектаклях, звучит, попадает в зал, заряжает...
Отцы и дети
— Иной раз кажется, что актеры, восхищающиеся искусством, талантом коллег, не искренни, ведь ни и сами хорошо знают, как «завести» зрителя. Тайны нет...
— Несомненно, даже опытных актеров вдохновляют те, кто показывает высший пилотаж в театральном искусстве. Да, ты будешь петь свою «мелодию», но питают и помогают тебе в этом, к примеру, песни Окуджавы и Высоцкого. А кстати, о Высоцком. Вот сейчас всплыла в памяти картинка из далекого детства. Стоим мы с приятелем (учились тогда, наверное, в классе втором) на перекрестке. Бьем по фанере палкой и горланим песню Высоцкого:
«И когда наши девушки сменят шинели на платьица, Не забыть бы тогда, не простить бы и не потерять...»
— Может, это был первый шажок к будущей профессии?
— Пожалуй, я сделал его еще до этого. Когда посмотрел фильм об индейцах, что-то со мной произошло. Я рисовал индейцев, читал о них, одевался под индейца. Посмотрел фильм о мушкетерах - пошли в ход шляпы, после фильма о Чапаеве бабушка сшила мне бурку. Вообще, все, что связано с войной, интересовало нас, ребятишек, чрезвычайно: росли-то в одном из поселков Брянской области, где в 40-е годы шли кровопролитные бои. Помню, как-то семиклассник Володька Сокол нашел пробитую немецкую каску, покрасил ее. Это был предмет всеобщей зависти. Володька был старше нас, мы, малышня, смотрели на него снизу вверх, слушались беспрекословно. Однажды все вместе натаскали к его дому доски, фанеру и делали все, что велел наш командир. В результате, в один прекрасный день ко всеобщему восторгу увидели перед собой сверкающий зеленой краской танк Т-34.
— Почувствовали вкус к творчеству...
— А вкус к литературе, сдвиг в сторону театра появились в 8-м классе благодаря преподавателю литературы Людмиле Леонидовне. Ходил на ее факультативы, она приносила книги о театре, об актерах. В библиотеке взял книги Станиславского «Моя жизнь в искусстве», Захавы «Мастерство актера и режиссера».
— Да ведь вам тогда, наверное, всего-то лет четырнадцать было...
— И тем не менее читал с упоением: эти книги воспринимал как нечто волшебное. Благодаря им для меня словно открылась дверь в другой мир, появилась мечта стать актером. Отослал документы в Ярославское театральное училище, но по какой-то причине они до места назначения не дошли. Тогда по настоянию родителей я поступил в железнодорожный техникум. Пришел туда 1 сентября и понял - учиться здесь не хочу и не буду. Короче говоря, после трехчасового разговора с отцом было решено, что доучусь в школе, а там видно будет. Еще сильнее увлекся литературой, особенно Достоевским, читал книги по психологии, пришел в народный театр, научился играть на гитаре. Словом, каждый день что-то прибавлялось, мир открывался ежесекундно. После школы мы с другом отправились покорять Москву и... «пролетели» во всех театральных вузах. А пока «летели», мать прислала телеграмму: «Начался набор на театральный факультет Брянского музыкального училища»...
— Видно, и мать, и отец с большим пониманием и уважением относились к вашему увлечению театром. Проблемы отцов и детей такой, как в «Мещанах» в семье Бессеменовых, не было?
— Как ее глава, Василий Васильевич, душой болеет за своих детей, так и мои родители переживали за меня, как и мы с женой за своего сына Филиппа (Филипп Котов - артист театра на Таганке. - Т.П.). Да кто из отцов и матерей не принимает близко к сердцу все, что происходит с детьми? Другой вопрос, с каким багажом отправляем своих чад во взрослую жизнь?
— Ну, а если установка на достижение материальных благ, как у старшего поколения семейства Бессеменовых? Ведь по большому счету, таких, как они, «образцовых мещан», в нашей сегодняшней жизни большинство. Едва ли не у каждого в обязательной «программе» - построить дачу, обзавестись машиной...
— Что же в этом плохого? Желание комфорта для себя и своих детей — это нормально. Нормально, что таких среди нас очень много. А вообще, если внимательно присмотреться к тем, кто рядом с нами и что происходит вокруг нас, можно увидеть едва ли не всех героев «Мещан». Вот скажите, разве мало в наше время Перчихиных?
— Наверное, такие есть среди бомжей?
— Да нет, не о том вы говорите. Помните спектакль «Свидание в предместье», поставленный по пьесе Вампилова?
— В нем вы играли одну из главных ролей.
— Так вот, театральную программку к этому спектаклю украшают выдержки из записных книжек автора пьесы. Есть и слова, которые относятся к таким, как Перчихин. О чем речь? «Ничего нет страшнее духовного банкротства. Человек может быть гол, нищ, но если у него есть хоть задрипанная идея, цель, надежда - все, начиная от намерения собрать лучший альбом марок, кончая грезами о бессмертии, - он еще человек, и его существование имеет смысл».
— В общем, важно, чтобы были какая-то ниша, увлечение?
— И сколько вокруг нас таких вот увлеченных людей! Да хотя бы на Покровке среди тех, кто музицирует. В сторону своего интереса
— А вы, Юрий Михайлович, могли бы взять гитару и присоединиться к ним?
— Пожалуй, сейчас нет, а вот лет 20 назад запросто. Однако играть перед публикой не со сцены и мне довелось. Во время репетиций спектакля «Лес», в котором играл актера Счастливцева, у меня появилась идея, как говорится, пойти в народ: в фойе перед началом представления попиликать на скрипочке. То, что я нафантазировал, режиссер-постановщик Василий Богомазов разрешил осуществить.
— У него вы сыграли некоторые из своих звездных ролей: Роберта Локампа в «Трех товарищах», Калигулу, Меркуцио в «Ромео и Джульетте». А что характерно для этого режиссера?
— У меня с ним было полное взаимопонимание и доверие. Мы вместе пускались в плавание в поиске путей создания образа. А куда, в какую сторону плыть? Бывало, я только подумаю, а он выскажет вслух. Благодарен и другим режиссерам. Например, Леониду Белявскому за Гамлета, за роль Чичикова в спектакле «Похождения г-на Ч.». Интересной и полезной была работа с Борисом Голубицким, поставившим в нашем театре «Нахлебника». Встреча с Ростиславом Горяевым вообще судьбоносна. Смотрели «Игрок» и «Фальшивую монету»? А что испытал, работая над ролью Анджело в «Острове грехов» (режиссер Искандер Сакаев)! Это трудно объяснить: можно сказать, состояние творческого экстаза.
— Насколько прилежно, с вашей точки зрения, следуют современные режиссеры установкам Станиславского? Например, принципу публичного одиночества?
— Да, он говорил актерам: считайте, что у вас не три, а четыре стены. А почему он это советовал? Потому что публичное одиночество предполагает освобождение от зажимов, естественное поведение актера на сцене. Но по собственному опыту знаю, что иногда и волнение помогает играть. Помню, в каком состоянии был на премьере спектакля «Гамлет, принц Датский», ожидая своего первого выхода на сцену: сердце колотилось и, казалось, искры из глаз. Чувство такое, что зал сильнее тебя, но вот сказаны первые фразы и волнения как не бывало.
— В наше время такие, как Гамлет, это нечто из ряда вон...
— Имеете в виду людей, пытающихся восстановить разрушенный нравственный миропорядок? Знаете, первое, что приходит в голову, - это имя Григория Померанца - писателя, критика, философа. Это человек космического уровня. Читали его книги? Непременно прочитайте, хотя бы «Записки гадкого утенка». А сколько людей, оказывающих благотворное влияние на нравственные устои общества в мире театра! К таким отношу и уже названных мною режиссеров и своих наставников - преподавателей Нижегородского театрального училища Семена Лермана и Риву Левите. Да и многих партнеров, нынешних и бывших, например, Антона Маркова, который блестяще играл Ромео, очевидно, забыв в те минуты о кардиостимуляторе, превратившись в один оголенный нерв...
— Хороший партнер - это...
— Это тот, которому ты как бы говоришь: «Ну что? Мы играем в эту игру?» И он соглашается.
— А если нет?
— Тогда пусть предлагает свои правила. Главное, чтобы зрителям было интересно, чтобы то живое действие, которое они видят на сцене, было привлекательно.
— Очевидно, только в этом случае театр может стать для нас вроде как врачом-психологом: создать условия для того, чтобы мы что-то изменили в своей жизни к лучшему. Возможно, если бы люди, которым скучно и тошно жить, такие, как герои «Мещан» Петр и Татьяна, почаще ходили в театр, меньше было бы алкоголиков и самоубийц.
— Жизнь — она очень сложно и мудро устроена. В ней все относительно. Скажем, как кто-то метко заметил, если бы Омара Хайяма излечили от пристрастия к вину, мир не познакомился бы с его прекрасными рубаи. То, что у каждого человека своя правда, свои проблемы, - это нормально. Нужно только быть готовым к встрече с разными людьми, к тому, что жизнь разнообразна и захватывающе интересна. А идти по ней важно в сторону своего интереса...
Беседовала Татьяна ПОГОРСКАЯ. Фото Георгия АХАДОВА.
Пьеса, некогда запрещенная в Российской империи и в Великобритании, а ныне являющаяся визитной карточкой театра Романа Виктюка, совсем скоро появится и в нижегородской афише. На днях в академической драме приступили к репетициям «Саломеи» Оскара Уайльда.
Ставит скандально известную пьесу Искандер Сакаев из Санкт-Петербурга, уже знакомый нижегородским зрителям по спектаклю «Остров грехов», который увидел свет как раз год назад. Той постановкой режиссер напомнил о методе биомеханики Всеволода Мейерхольда, что используется сегодня театрами не так часто.
Виктюк в своей знаменитой постановке «Саломеи» ушел от бытового решения истории и превратил пьесу в притчу о судьбе художника в мире. Концепция нижегородской постановки тоже обещает быть своеобразной. Постановщики используют перевод «Саломеи» Константина Бальмонта.
Хореографию поставит руководитель петербургского «Крепостного балета» Елена Прокопьева, художником спектакля станет Борис Шлямин. Оскара Уайльда сыграет Николай Игнатьев, Ирода Антипу — Сергей Кабайло, пророка Иоканаана — Юрий Котов, Иродиаду — Елена Туркова, Саломею — Маргарита Баголей.
Премьера состоится в самом конце театрального сезона — 13 июня.
Ольга ГОРНОВА
К слову
«Саломея» была написана Оскаром Уайльдом на французском языке в 1891 году, переведена на английский и издана в Лондоне в 1894-м. В основе трагедии — история персонажей Нового Завета, переиначенная автором. Трактовка библейского сюжета вызвала скандал в Англии и находилась под запретом, равно как и в России. Ставить пьесу в нашей стране стали после 1917 года.
На нижегородскую сцену возвращается любимица публики — «Веселая коза». Всероссийский фестиваль театральных капустников пройдет впервые после трехлетнего перерыва.
Последний — юбилейный пятнадцатый — проходил в 2010 году. Поначалу фестиваль проводился ежегодно, потом раз в два года, а вот на сей раз «каникулы» затянулись, и новая «капуста» созрела только сейчас.
С 15 по 19 июня в Нижнем Новгороде выступят полторы сотни актеров более чем из 30 городов России. Уже подтвердили свое участие артисты из Москвы, Мытищ, Перми, Уфы, Вологды, Йошкар-Олы, Липецка, Омска, Ижевска, Набережных Челнов, Иркутска. Собираются приехать неоднократные лауреаты «Веселой козы» прошлых лет из Белоруссии и с Украины, так что фестиваль можно назвать даже международным.
В жюри «Веселой козы» в разные годы работали Александр Ширвиндт, Аркадий Инин, Виктор Шендерович, Михаил Полицеймако, Федор Добронравов. На этот раз в списке точно будут актеры Сергей Плотов и Вадим Жук, ведутся переговоры с артистом МХТ Дмитрием Назаровым, певцом и актером Алексеем Кортневым, питерскими артистами Андреем Ургантом и Андреем Максимковым.
15 и 16 июня в Нижегородском Доме актера пройдут конкурсные показы «капустных» номеров. 17 июня там же состоится концерт лауреатов фестиваля прошлых лет. А 18-го уже на сцене ТЮЗа ожидается гала-концерт лауреатов, членов жюри и гостей. Один из концертов станет выездным — он пройдет 19 июня в Сарове.
Учредители фестиваля — Нижегородское отделение Союза театральных деятелей РФ, Госкорпорация «Росатом», министерство культуры Нижегородской области.
Ольга ГОРНОВА. Фото Георгия АХАДОВА.
Справка «НН»
Фестиваль театральных капустников придумали в Нижегородском отделении СТД в 1993 году. Название связано с гербом Нижнего Новгорода. Гиляровский писал: «Веселой козой» называли нижегородский герб: красный олень с закинутыми на спину рогами и как-то весело приподнятой передней ногой». В своем жанре фестиваль — первый в России. Сам жанр капустника происходит из тех времен, когда во время постов в России было запрещено играть спектакли. Артисты собирались узким кругом своих и за пирогами с капустой разыгрывали небольшие шутливые сценки.
Все даты в формате GMT
3 час. Хитов сегодня: 15
Права: смайлы да, картинки да, шрифты да, голосования нет
аватары да, автозамена ссылок вкл, премодерация откл, правка нет
Отправлено: 25.06.07 22:18. Заголовок: что говорят СМИ (продолжение 19)
- участник сейчас на форуме
- участник вне форума